中国传统水墨的绘画性

　　水墨画作为中国传统绘画的代名词，
具有地域性特征，
工具材料或是一个画种的标志。
水墨画就是代表中国的、使用宣纸、毛笔、墨汁来作为绘画材料的一种绘画形式，
名称具有独立性和标志意义。
有别于日本画、油画或版画，
是独立于世界绘画领域、地域性，
文化属性极强的绘画品种，
以至于英语里没有水墨画专有名词。
诸如：毛笔、宣纸、墨汁等等名词，
可见它是太独特了。
独特的东方文化、中国文化。


　　一个画家一生把水墨画作为基本绘画方式进行创作，
有从初期向成熟过渡，
或称延伸，
是在时间上的延续，
在水墨艺术语言上多年求索，
直至出成就。
这种时间上的程序，
其实是艺术曲折之路，
向高峰艰难攀登的足迹。
如果称为“延伸”的话，
是艺术家创作过程的一个称谓。
其实“水墨延伸”是指这一层意思，
是画家苦苦探寻，
上下求索过程的一个时间性的说法。
“水墨延伸”作为一个展览的名称，
延续了多年，
举办多次展览，
其实是一群自由散漫的画家有了共同的“理想”，
在创作上有相同的艺术抱负，
在人性上有相似的“毛病”，
做为还谈得来的这么一些人，
企图在水墨画艺术创作上能有一点贡献，
给我们这么深厚的水墨画长河里添一点色彩，
可能就有这简单的愿望。
办展览总要有名字，
拿来“水墨延伸”做名称，
也是这些人没动脑筋取来就用。
办展览多年，
到也出现一个品牌。
成为这一时期中国画坛上有影响的学术群体，
其实也没有什么意思。
现在有很多展览，
称呼也很多，
大家都有共同愿望，
还是促进现代水墨画的繁荣，
共同推动水墨画事业向前发展，
把水墨画这门传统艺术在我们这一代人手中延续下去，
如果有这么一点作用，
那么“水墨延伸”就有贡献，
就有成绩。


　　水墨画本身有极其强烈的特点，
是它的“绘画性”，
古人称为“画意”，
“写意”。
传统水墨画强调用笔、用墨，
创作出的作品就有极强的“画意”、手感的画意。
现代人强调绘画性就有这些内容，
并增加现代视觉艺术规律相关的内容，
诸如：视觉艺术形式、语言，
视觉上的规律。
使之成为一门适应现代社会、人们欣赏的，
需要的，
具有现代审美趣味的绘画品种。


　　绘画是用笔墨来塑造的“骨气形似，
皆本于立意而归乎用笔”，
画的过程实际上是用笔的过程，
作品就具有了“绘画性”的意义——画意。
水墨画尤其注重“画意”，
“画意”就被今天人们演绎成“绘画性”。
传统水墨画注重如何用笔去画，
用笔用墨的讲究颇多，
形成了水墨画区别于其他画种的极其鲜明的艺术特色。


　　用笔的修炼成为水墨画家必须具备的重要研究内容，
因此，
水墨画的用笔在古代人那里形成理论，
自唐代至清代至现代可以说是浩如烟海，
各朝各代大家都有独特的见解。
五代荆浩谓“凡笔有四势：谓筋、肉、骨、气。
”清邹一桂《小山画谱》中日笔法：“意在笔先，
胸有成竹；而后下笔。
则疾而有势，
增不得一笔，
亦少不得一笔，
笔笔是笔，
笔笔非笔，
具极自然。
”古代早就把用笔的要求提升到很高的境界，
超乎用笔本身。
以笔和墨塑造出水墨画追求的“意境”。


　　“意境”是水墨画追求的最高境界。
它通过绘画性的笔触、墨色得以实现。
“意境说”产生于宋代，
苏轼首先在诗词中提出“诗中意境”学说。
与此同时，
“意境”引入绘画，
渐渐地成为水墨画家营造画面的最高目标。
所谓“意境”，
是传统水墨画在审美上建立的理想，
这个审美理想既是抽象意义的，
又是历代画家孜孜以求的东西。
苏轼在阐述“意境”意义时说：“味摩诘之诗，
诗中有画；观摩诘之画，
画中有诗。
”在诗中营造画意在画中营造诗境，
“意境”寓于其中；像云岚飘渺，
氤氲朦胧。
摸不着的东西，
只是凭画家的意想插上想象的翅膀，
升华于形而上的一种虚境，
“超以象外，
得其环中。
”这种构成意境的塑造方式就是“绘画性”在起作用。
显然“绘画性”名词缘于现代人的体验。
其实它是和古代人所说的“意象性”“画意”是一个东西。
只是现代人用“绘画性”这个带有时代感的名词置换了古代人的概念，
我个人却是更喜欢这个词——“绘画性”。


　　传统水墨画充满了绘画性的笔触、墨色，
营造出绘画感的律动。
水墨画所追求的画意，
举凡雅致、高逸、浑厚、雄壮、优美、苍劲、神趣、秀美乃至气韵都是通过具有“绘画性”的笔墨表达跃然纸上。
我们从中体验出来的还是其绘画性的笔触在起作用。
水墨画构造出特殊的绘画性语言是世界任何一门画种所不能比拟的，
水墨画独立在世界画坛上，
也是五千年另文化发展出最成熟、最完善的艺术品种。


　　“绘画性”其实是水墨画的特点之一，
它强调用笔的表现性，
强调笔墨语言，
如果用“绘画性”去概括它的特点是最合适不过了，
笔墨有独特的表达方式，
不同于油画、版画或是音乐、舞蹈、戏剧，
它就是水墨画特定的艺术语言，
这种方言的绘画性使我们清楚地区别出它自己的音调，
如同汉语和日语，
有明显不同。


　　1998年，
我在日本讲学期间，
应邀云参观日本美术院年展“院展”，
其中给我最直接的感受就是现代日本画越画越缺少绘画性了，
转而追求制作性的精良。
陪同我参观的日本美术院理事也“院展”主持人之一的盐出英雄老先生请我谈谈观感，
我明确地提出了我的看法，
盐出老先生惊讶的同时，
同意我的观点，
他也有同样的忧虑。
现代日本年轻画家在刻意追求日本画的制作性，
强调制作感，
忽视绘画性的追求，
甚至丢掉笔意和画意，
最多、最复杂的是制作的工序，
强调的是技术性，
一张不大的画要经过二三个月复杂的制作才能完成。
岩彩材料的层层叠加，
技术之复杂，
视觉上的效果就是制作的精致，
形势上的追求也是体现在制作手法上。
丢掉了早期日本画所特有的绘画感和感动人的画风。
年轻的日本画画家追求的是制作精良和材料的质感，
忽视绘画艺术“绘画性”的运用，
这样强调制作性的结果会导致一个画种的衰败，
他们如此发展下去日本画往何处去？我耽心日本画的寿命。
相比较，
我们水墨画强调其绘画性的塑造，
是我们中国人的大指挥。
“绘画性”是水墨画的灵魂，
“绘画性”的不懈追求导致水墨画健康发展下去，
也是中国水墨画有持久、旺盛的生命力所在。
我们抓住了绘画艺术的根本?——“绘画性”。
绘画性的追求永无止境，
它将随着时代的发展有不同的审美要求，
它伴着水墨画随着时间的推移发展下去。


　　“绘画性”是一张画的灵魂，
成功的大师们的作品充满着独具个性的绘画性语言，
石涛、八大、黄宾虹、齐白石、李可染、潘天寿等大师们的作品的绘画性是其它任何时代、任何人不能替代的。
水墨画的绘画性丰富多变，
每个画家都有自己独具特色的“绘画性”语言。
今天，
我强调“绘画性”的提出，
是基于水墨画的笔法、墨法中深厚的传统，
提出了蕴含在传统中一个根本问题，
只不过与古代人说法不一样，
其实是一个内容，
就是水墨画的灵魂——“绘画性”。


　　“绘画性”排斥“描写性”。
就是画一张写生，
也要带有“创造”的意识去对待，
反对对着对象描摹、描写。
不带任何想法的描写是被动的，
也是美术学院国画人物教学中存在着的一个问题，
就是写生与创作脱节，
学生写生课完成得挺好，
一到创作课就不会画画了，
究其原因，
在基础训练中缺乏对“绘画性”和“创造性”的研究，
没有强调“绘画性”在基本功训练中的重要性。
如果在基本功训练中加强“绘画性”的指导，
训练学生一开始就具有创造意识、画面感，
那么，
今后他们画什么画都会自学地运用“绘画性”的艺术语言规律去表达，
并运用它去进行创作。


　　“绘画性”并不排斥制作性，
制作性的技巧实际上是丰富画面语言，
开拓表现性领域，
拓展表现手法，
始终要服从绘画性的要求，
是发展的需要。
如果像现代日本画走的路，
其结果就大谬不然了。
也不是我们水墨画的目的。


　　“绘画性”在现代水墨画上提出，
是现代艺术规律对水墨画的要求，
在21世纪，
水墨画面临新的挑战，
需要建立新的与时代相适应的审美理想，
并丰富和发展“绘画性”艺术语言，
作为跨世纪的中国画家要面对这个带有时代感和时间性的学术问题。
“绘画性”的追求，
无疑是对水墨画艺术表现语言追求的升华，
现代水墨画在“绘画性”原则指导下必然会迈向一个新台阶。